|
| 贴吧列表 | 推荐贴吧 | 精华主题 | 最热主题 | 申请吧主 | 我要举报 | 会员列表 | 用户登录 | 用户注册 | 忘记密码? |
| 首 页 > 学生 > 学生作文 > 三上作文 > 人教版第五组《孔子拜师》课后综合性学习：“了解生活中的传统文化”参考资料大全 | 人气指数:[ 3858 ] |
| 本主题共有帖子数 4 篇, [<<] [1] [>>] | ||
| 1 | 人教版第五组《孔子拜师》课后综合性学习：“了解生活中的传统文化”参考资料大全 | |
| 人教版三年级语文上册第五组《孔子拜师》课后综合性学习：“了解生活中的传统文化”参考资料大全 【综合性学习】 生活中，我们处处可以感受到丰富多彩的中华传统文化。我们有精美的民间工艺，如，剪纸、陶瓷；我们有古老的民族艺术，如，戏剧、国画；我们有独特的风俗习惯，端午节赛龙舟，元宵节闹花灯...... 让我们开展一次活动，了解生活中的传统文化。大家自由组成小组，先商量下，打算了解哪方面的内容，准备怎么开展活动，然后分头行动，用多种方式了解传统文化。 【资料参考】 资料一：剪纸艺术简介 剪纸是中国最为流行的民间艺术之一，根据其考古历史可追溯到公元六世纪，但考古学家认为他的实际开始时间比这还要早几百年。 剪纸是中华民族的传统艺术文化，具有独特的文化风韵，是我国古文化精髓与历代劳动艺人智慧之结晶；其内涵丰富，寓意深刻，可谓中华民族艺术之瑰宝。 其百变多姿的艺术形式体现了人民群众对美好生活的追求和向往。他以粗犷，简洁，明快，醒目的特色；集中，概括，夸张，装饰之手法，着力于写意传神，展现了民间艺人的精心构思及聪明才智。中国剪纸文化历史悠久，广泛应用于人们的喜庆嫁娶，生活礼仪，与岁时节令息息相关。 随着二十一世纪的到来，人们不再拘限于追求物质生活水平的提高，精神文化生活越发受到人们的重视，中华民族的传统艺术文化进一步得到了颂扬和发展。凭着一代代剪纸艺术家们的执著追求，剪纸题材和其装饰效果也随着时代的进步而革新，使其更具有新的时代气息，彰显其应有的艺术价值及魅力。 资料二：陶瓷知识 当下陶瓷品种繁多，鱼目混珠，不是专业人士很能区分，特别有一些不法商贩以次充好，在这里介绍一些分辨陶瓷的一点常识。 1、骨瓷 知识： 骨瓷是世界上公认最高档的瓷种，按照国际标准，骨瓷内含25％以上的食草动物骨灰，是环保的绿色消费品。相比一般的陶瓷，独持的烧制过程和骨碳的含量使得骨瓷显得更洁白、细腻、通透、轻巧。陶瓷起源于中国，但骨瓷始创于英国，曾长期是英国皇室的专用瓷器，独尊着华美。就在如今，骨瓷也是主人身份与地位的象征。由于牛骨粉可以增加瓷器的硬度与透光度，所以骨瓷可以做到比一般瓷器薄。将杯子放在光亮处观察，成分细致，透光无杂质的骨瓷制品为首选。骨瓷和陶瓷一样是分等级的，通常取决于材料的质地、制造技术及彩绘设计。级数越高的骨瓷，制作难度越高，成品也就越贵。 2、 白瓷 知识： 白瓷 我国传统瓷器的一种。以含铁量低的瓷坯，施以纯净的透明釉烧制而成。我国瓷器制作的历史悠久，品种繁多。除了高贵典雅的青花和色彩艳丽的彩瓷外。素雅的白瓷也是人们喜爱的一个品种，虽然看上去没有斑斓的花纹和艳丽的色彩，但在朴实无华中，它展示给人们的是那自然天成的美。白瓷一般是指瓷胎为白色，表面为透明釉的瓷器。在上海博物馆中珍藏了很多唐代白瓷。这些唐代的白瓷制作讲究，胎土淘洗洁净，杂质少，个胎很细，而且白度比较高，上了一层透明釉以后，反映出来的颜色很白，茶圣陆羽在《茶经》中，曾推崇唐代邢窑白瓷为上品，并形容它的胎釉像雪和银子一样洁白。 3、 活瓷 知识： 可以放射远红外线的陶瓷叫「活瓷」。「活瓷」是乾唐轩多年精心研发的新产品，以 20 多种氧化金属和瓷土为原料，经 1300 °C高温烧成块状，再研磨成粉粒,加以结合各式釉色及瓷器调配烧成，「活瓷」会依原料配合的比例而放射出 7-14微米波长的远红外线。其特性不仅能让酒及各种饮料瞬间变得美味，让食物保存更持久，更可活化人体内的细胞。共振、共鸣能排除体内的毒素及重金属，促进血液循环，帮助新陈代谢， 养颜美容，使人不易老化，改善过敏性皮肤，降低高血压，消除酸痛疲劳。它的功能永久存在，不会因为清洗或时间长久而消失，可不断重复使用。只要含水量6以上的物质都有优化效果，用途广泛。此项技术荣获中国新型结构专利、美国及中国台湾发明专利有很多。 |
||
| 作者:裴老师 2013/7/2 11:24:58 打印 回复 短信 | ||
| 2 | 人教版第五组《孔子拜师》课后综合性学习：“了解生活中的传统文化”参考资料大全 | |
| 【参考资料】 陶瓷知识 今天有同事在问高温瓷和低温瓷的区别，我接触了两年polyresin，虽然POLYRESIN跟陶瓷不完全一样，但类似。我也接触陶瓷烛台，日用瓷不是一天两天了，而我当时却答不上来，只记得高温瓷要烧到1000多度，真惭愧！今晚回来赶紧翻了一下我以前做的笔记，也上网查了些资料，下面就简单介绍一下吧。 瓷器的分类不止一种：有根据用途来分的；有根据是否上釉来分的；也有根据瓷的性质来分的。 一、按用途来分，可分为日用瓷、美术瓷、工业用瓷三大类。日用瓷我们通常分为半瓷（也就是陶土，通常指红土、白云土）和全瓷，也有人把他们叫做低温瓷，中温瓷和高温瓷。这几类我国都有做。 二、按是否上釉来分，可分为有釉和无釉两大类。我国的瓷器大多都有上釉。上釉的瓷器又分高温釉（烧制温度1200-1300度之间，不含铅，釉面光亮似镜，无反铅现象）和低温釉（700-900度之间，含铅，表面有银雾(也叫反铅)，光亮度较低）。如果分三类就是高温釉（1200-1300度）、中温釉（800-900度）和低温釉（600-700度）。 三、按性质来分，可分为硬质瓷、软质瓷和特殊瓷三大类。我国的瓷器以硬质瓷为主。 其实陶瓷是个组合词，瓷比陶要高档。我们通常统称陶瓷为ceramic,可能有朋友会说，以前背单词时，看到China也有陶瓷的意思，是的，但通常指非工业用陶瓷。我们叫瓷器多用pottery,而陶器则多用earthenware/stoneware，其实从英文单词就可以看出瓷器比陶器高档。陶器胎质也较粗疏，断面吸水率高，而瓷器经过高温焙烧，胎质坚固致密，断面基本不吸水，敲击时会发出铿锵的金属声响。瓷器比陶细腻。陶特别粗糙，有杂色，微带褐色的斑点。人们总是把瓷与陶相提并论而称之为“陶瓷”，这种提法反映了陶和瓷都是火与土的艺术。陶器的发明并不是某一个国家或某一地区的先民发明的，而瓷器是我国创造发明的，后来通过海路和陆路大量输出到海外，才使制瓷技术在世界范围得到遍及。瓷器和陶器虽然是两种不同的物质，但是两者间存在着密切的联系。 陶器和瓷器的区别主要区别表现在：一、烧成温度不同。陶器烧成温度一般都低于瓷器，最低甚至达到800℃以下，最高可达1100℃左右。瓷器的烧成温度则比较高，大都在1200℃以上，甚至有的达到 1400℃左右。低温瓷一般是指在1100℃左右烧成的瓷器。而高温瓷一般指烧成温度在1200℃以上的瓷器。高温烧成的瓷器可以去除更多杂质，因此在瓷质上也比低温瓷要纯净一些。烧制高温瓷对制作工艺有很高的要求。普通的窑无法稳定的维持固定温度的高温，原料选用粗糙的瓷坯也很难在高温下烧出好的高温瓷。从瓷化效果上来说，只有足够的高温才能使原料完全瓷化。而完全瓷化的瓷器在强度、耐磨性及釉面的致密度都比不完全瓷化的瓷器好很多。二、坚硬程度不同。陶器烧成温度低，坯体并未完全烧结，敲击时声音较闷，胎体硬度较差，有的甚至可以用钢刀划出沟痕。瓷器的烧成温度高，胎体基本烧结，敲击时声音清脆，胎体表面用一般钢刀很难划出沟痕。三、使用原料不同。陶胎含铁量一般在3%以上，而瓷胎含铁量一般在3%以下。陶器使用一般黏土即可制坯烧成，瓷器则需要选择特定的材料高岭上作坯，烧成温度在陶器所需要的温度阶段，则可成为陶器，如白陶。高岭土在烧制瓷器所需要的温度下，所制的坯体则成为瓷器。但是一般制作陶器的黏土制成的坯体，在烧到1200℃时，则不可能成为瓷器，会被烧熔为玻璃质。四、透明度不同。陶器的坯体即使比较薄也不具备半透明的特点。如黑陶，薄如蛋壳，却并不透明。瓷器的胎体无论薄厚，都具有半透明的特点。五、釉料不同。陶器有上铀和不上釉两种。上釉的陶器釉料在较低的烧成温度时即可熔融。其实，陶器多不上釉或上低温釉，而瓷器则多上釉。瓷器的釉料有两种，既可在高温下与胎体一次烧成，也可在高温素烧胎上再上低温釉，第二次低温烧成。由于瓷器大多表面会上釉，因此两者粗看差别不大，细看则会发现色泽、手感和声音均有不同，而内在性质则更是相差甚远。以上几个方面中，最主要的条件是原材料和烧成温度，其他几个条件，都与这两条密切相关。 如何区分釉上彩、釉中彩和釉下彩呢？ 1、釉上彩是中低温颜色釉品种之一。指在烧好的素器上彩绘，再经中低温烘烤而成，因彩附着于釉面之上而得名。此类瓷器因含微量铅毒，故不推荐做餐具使用。 2、釉下彩是用彩料在瓷器胚体上直接上彩，然后再罩一层透明釉，入窑后在高温中与瓷器一次烧成的品种。它的突出优点在与不受磨损、用不褪、无铅无毒、光滑平整、操作简单，是瓷器中的上品。 3、釉中彩是类似釉下五彩的绘花和贴花。其制作工艺是将上完釉的胚胎先经800度低温素烧，然后在这种半成品上彩绘，接着在花面上喷一层薄釉，再经高温烧成，从表面看，彩在釉下，实质是夹在两层釉中间，故称釉中彩。 Remarks:1）新购的餐具在使用前，可用食醋浸泡，以溶出大部分的铅。 2）不要用彩色陶瓷餐具盛放酸性食品，以免发生化学反应。 以上内容仅供参考，如有高见，请指教，谢谢！ |
||
| 作者:裴老师 2013/7/23 14:53:02 打印 回复 短信 | ||
| 3 | 人教版第五组《孔子拜师》课后综合性学习：“了解生活中的传统文化”参考资料大全 | |
| 【参考资料】剪纸 1，剪纸难不难？ 一点也不难，教我的老师是这么说的：“这是一项民间手工艺，不识字的人都会的，能难倒哪里去？”这不是在贬低这门手艺，只是说明，这门手艺的民间血统，只要会用剪刀的人，都能剪纸。另外，我是和我的小妹妹一起学的，它只有十岁，其他一些学剪纸图案大全的，也大多数是小学生，有的是幼儿园的小朋友：） 2,基本的剪纸方法 剪纸有两种方法，一是描下图案，把不需要的地方剪掉。另一种是直接在纸上剪，这个叫脱手剪。 第一种上手比较快，初学者剪出来也会很好看。 第二种剪法比较自由，会有一种更生动的趣味。 我个人比较喜欢第二种。 如果想要脱手剪 建议先从单个的物体剪起，可以把纸裁小一点，比如一朵花，一只猫，多尝试几种剪法。 剪的具体方法，是从剪纸图案大全妈妈手工课上使用的纸艺材料的中间开始剪起，最后剪轮廓线。 剪完单个的，然后再练习图案的组合。 3，课程。剪纸虽然简单，但其实也是流传很久的手艺，有很多技法是民间艺人自己琢磨出来的，也有自己的传统，不同的地域图案的处理方式是不一样的，所以了解的人，看图案，也可以大致猜出是哪片地域的风格。这些图案和民间流行的其他吉祥图案是相联系的。 所以如果喜欢这门手艺，最好的学习方法还是找一个民间艺人学习，各地应该都有一些这样的买剪纸的小摊，有很多艺人是收徒的，你可以自己问。我是在武汉学的，在武汉龟山公园上有很多剪纸的小摊，大多数是既卖剪纸也教授。我的老师也在上面，叫季玉武，是一个很慈祥的老太太，腿脚有些不方便，曾经是一名幼儿园的老师，所以很有耐心。 技艺倒在其次，学起来你就知道，确实很简单，重要的是学的时候，你还可以知道一些关于剪纸的掌故，以及这个行业的情况。 基本的课程我是做过笔记的，但是，这种被抽离了环境的学习笔记，是冰冷的。我最多只能讲一些技术性问题，但这已经不是民间手艺了。而且我不是专门从事这个的，肯定会遗漏很多东西，对于技术来说不重要，对于理解这们手艺说不定会很重要。 其次，那些手工艺人的生存状况都不是很好，本来喜欢这个人的就不是太多，能够从刀法、构图、创意等角度去欣赏剪纸的人就更少了。而且剪纸的门槛很低，图案又很容易模仿，作品的价格普遍偏低。总觉得，我胡乱的教，是很破环行规的：）所以，大家还是自己去学吧。学费也不贵，但是对这项手工艺也算是小小的支持吧。 4,作品。老师能够教的只是刀法，至于最后能剪成什么样，就看每个人了，你可以多看看不同风格的剪纸，不同风格的艺术作品，包括版画，蜡染，瓷器，篆刻...艺术是相通的，剪刀和铅笔一样，提供给你的是最简单的工具，表达什么则是个人的问题，“功夫在诗外”：） 5，对民间手艺的喜爱。这是题外话，对一件事物的喜欢不是把它庙堂化，高高的供起来，被称为“非物质文化遗产”是一件很可怜的事，喜欢一件事物，就应该让它融入你的生活，成为生活的一部分，这样它才会有生命力，这样既可以传承一些古老的图案，那是我们民族的记忆，也会产生新的图案。所以，有心情的时候，随时都可以剪一些小图案，送人，或是贴在窗户上：） 民间手艺嘛，并不是为了产生传世的作品，而是普通人对美的追求和良好的愿望 |
||
| 作者:裴老师 2013/7/23 14:55:08 打印 回复 短信 | ||
| 4 | 人教版第五组《孔子拜师》课后综合性学习：“了解生活中的传统文化”参考资料大全 | |
| 【参考资料】 国画的分类 【国画分类依据】 中国画的“画分三科”，人物、花鸟、山水，表面上是以题材分类，其实是用艺术表现一种观念和思想。所谓“画分三科”，即概括了宇宙和人生的三个方面：人物画所表现的是人类社会，人与人的关系；山水画所表现的是人与自然的关系，将人与自然融为一体；花鸟画则是表现大自然的各种生命，与人和谐相处。三者之合构成了宇宙的整体，相得益彰。这是由艺术升华的哲学思考，是艺术之为艺术的真谛所在。 【国画分类概况】 古代国画分科之说法 画分十门。中国画的分科，唐代张彦远《历代名画记》分六门，即人物、屋宇、山水、鞍马、鬼神、花鸟等。北宋《宣和画谱》分十门，即道释、人物、宫室、番族、龙鱼、山水、鸟兽、花木、墨竹、果蔬等。南宋邓椿《画继》分八类（门），即仙佛鬼神、人物传写、山水林石、花竹翎毛、畜兽虫鱼、屋木舟车、蔬果药草、小景杂画等。元代有“画家十三科”，但内容相当庞杂，作为分类标准不适宜。 当代国画分类之说法 当代国画在世界美术领域中自成体系。按其题材和表现对象大致可分为人物画、山水画、花鸟画、界画、花卉、瓜果、翎毛、走兽、虫鱼等画科；按表现方法有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种。主要运用线条和墨色的变化，以钩、皴、点、染，浓、淡、干、湿，阴、阳、向、背，虚、实、疏、密和留白等表现手法，来描绘物象与经营位置；取景布局，视野宽广，不拘泥于焦点透视；按表现形式有壁画、屏幛、卷轴、册页、扇面等画幅形式，辅以传统的装裱工艺装潢之。按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；中国画的画幅形式较为多样，横向展开的有长卷（又称手卷）、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。 【国画代表种类】 人物画 （1）人物画的历史进程： 以人物形象为主体的绘画之通称。我国的人物画，历史悠久。据记载，商、周时期，已经有壁画。东晋时的顾恺之专尚画人物画，在我国绘画是上第一个明确提出"以形写神"的主张。唐代闫立本也擅长人物画。还有吴道子、韩斡等等。都为人物画做出了卓越的贡献。唐以后画人物画的画家就更多了，历代都有。 中国的人物画，是中国画中的一大画科，出现较山水画、花鸟画等为早；大体分为道释画、仕女画、肖像画、风俗画、历史故事画等。人物画力求人物个性刻画得逼真传神，气韵生动、形神兼备。其传神之法，常把对人物性格的表现，寓于环境、气氛、身段和动态的渲染之中。故中国画论上又称人物画为“传神”。历代著名人物画有东晋顾恺之的《洛神赋图》卷，唐代韩滉的《文苑图》，五代南唐顾闳中的《韩熙载夜宴图》，北宋李公麟的《维摩诘像》，南宋李唐的《采薇图》、梁楷的《李白行吟图》，元代王绎的《杨竹西小像》，明代仇英的《列女图》卷、曾鲸的《侯峒嶒像》，清代任伯年的《高邕之像》，以及现代徐悲鸿的《泰戈尔像》等。在现代，更强调“师法化”，还吸取了西洋技法，在造型和布色上有所发展。 （2）人物画的画法和表现方法： 要画好人物画，除了继承传统外，还必须了解和研究人体的基本形体、比例、解剖结构，以及人体运动的变化规律，方能准确的塑造和表现人物的形和神。画人物有几种表现方法，各有所长，如：白描法，勾填法，泼墨法，勾染法。 山水画 （1）山水画的历史进程： 描写山川自然景色为主体的绘画。山水画(俗称风景画、风光画或彩墨画)，是专门的艺术学科，历史悠久。山水画在魏晋、南北朝已逐渐发展，但仍附属于人物画，作为背景的居多；隋唐始独立，如展子虔的设色山水，李思训的金碧山水，王维的水墨山水，王洽的泼墨山水等；五代、北宋山水画大兴，作者纷起，如荆浩、关仝、李成、董源、巨然、范宽、许道宁、燕文贵、宋迪、王诜、米芾、米友仁的水墨山水，王希孟、赵伯驹、赵伯骕的青绿山水，南北竞辉，形成南北宗两大派系，达到高峰。自唐代以来，每一时期，都有著名画家，专尚从事山水画的创作。尽管他们的身世、素养、学派、方法等不同；但是，都能够用过笔墨、色彩、技巧，灵活经营，认真描绘，使自然风光之美，欣然跃于纸上，其脉相同，雄伟壮观，气韵清逸。元代山水画趋向写意，以虚带实，侧重笔墨神韵，开创新风；明清及近代，续有发展，亦出新貌。表现上讲究经营位置和表达意境。传统分法有水墨、青绿、金碧、没骨、浅绛、淡彩等形式。主要代表画家有:明代的董其昌,清代石涛近代黄宾虹和傅抱石、李可染,当代贾又福、范扬、方骏、袁振西,张凡等。 （2）山水画的组成： 山水画的组成包括：山、水、石、树、房、屋、楼台、舟车、桥梁、风、雨、阴、晴，雪、日、云、雾及春、夏、秋、冬气候特征等。 （3）山水画主要代表： ◆ 青绿山水 山水画的一种。用矿物质石青、石绿作为主色的山水画。有大青绿、小青绿之分。前者多钩廓，少皴笔，着色浓重，装饰性强；后者是在水墨淡彩的基础上薄罩青绿。清代张庚说：“画，绘事也，古来无不设色，且多青绿。”元代汤垕说：“李思训著色山水，用金碧辉映，自为一家法。”南宋有二赵（伯驹、伯骕），以擅作青绿山水著称。中国的山水画，先有设色，后有水墨。设色画中先有重色，后来才有淡彩。 ◆ 浅绛山水 山水画的一种。在水墨钩勒皴染的基础上，敷设以赭石为主色的淡彩山水画。《芥子园画传》说：“黄公望皴，仿虞山石面，色善用赭石，浅浅施之，有时再以赭笔钩出大概。王蒙复以赭石和藤黄着山水，其山头喜蓬蓬松松画草，再以赭色钧出，时而竟不着色，只以赭石着山水中人面及松皮而已。”这种设色特点，始于五代董源，盛于元代黄公望，亦称“吴装”山水。 ◆ 金碧山水 中国画颜料中的泥金、石青和石绿。凡用这三种颜料作为主色的山水画，称“金碧山水”，比“青绿山水”多泥金一色。泥金一般用于钩染山廓、石纹、坡脚、沙嘴、彩霞，以及宫室、楼阁等建筑物。但明代唐志契《绘事微言》中另持一说：“盖金碧者：石青石绿也，即青绿山水之谓也。后人不察，加以泥金谓之金笔山水，夫以金碧之名而易以金笔之名可笑也！” |
||
| 作者:裴老师 2013/7/23 14:58:58 打印 回复 短信 | ||
| 5 | 人教版第五组《孔子拜师》课后综合性学习：“了解生活中的传统文化”参考资料大全 | |
| 【资料参考】 中国画的概念 中国画俗称“国画”，是我国传统造型艺术之一，在世界美术领域中自成体系，是东方艺术宝库中一颗最璀璨的明珠，具有悠久的历史和优良的民族传统。从表现对象来说，可分为山水、花鸟、人物三个画科；从表现形式上来说，有工笔、写意和没骨之分；从技法形式上区分，有线描、水墨、淡彩、泼彩、泼墨、浅绛、金碧、大小青绿等等；从材料工具来看，主要使用毛笔、宣纸、墨水、砚池，俗称“文房四宝”。 与油画主要用光色变化和以面为形式表现物象的方法不同，国画主要运用线条和墨色的变化，以皴、钩、点、染等笔墨形式来表现黑白灰、干湿、浓淡、疏密、聚散等形式因素，且常采用散点透视法来描绘物象。有壁画、屏幛、卷轴、扇面、册页等画幅形式，并辅以传统的装裱工艺。 中国画的本质是“写意”和“线条”。早在公元5世纪，南北朝时的谢赫就提出了中国画的“六法论”。这“六法”是：一、气韵生动；二、骨法用笔、三、应物象形；四、随类傅彩；五、经营位置；六、传移摹写。宋代郭若虚说：“六法精论，万古不移”。这话虽然不免有些夸大，但却说出了这“六法”在中国绘画史上的重大影响。 “六法”中，最主要的是前两法。我们可以这样说，“气韵生动”是中国画的最高境界，“骨法用笔”是达到这一境界的主要手段。 所谓“气韵”，是指画家赋予绘画对象的整体气质和神韵，是其神情风采，精神面貌和内在生命，用宗白华先生的话来说，就是“生命的律动”。面对生生不息的自然，中国画家希望能生生不息地表现出它的本质和韵律，在观照自然时，中国画家不是选取一个固定的立足点去描形绘色，而是采取从世外鸟瞰的立场，全方位、多角度地观照大自然，集合数层与多方的视点，谱成一幅超象空灵的诗情画境。 中国山水画中所谓“三远”法（即平远、高远、深远）法的运用，是以画家对大自然的感受为基础的，所以它完全不同于西方的“焦点透视法”，它似乎是一种游动的散点透视，但又不尽然，因为它更自由。试以“高远法”为例。西洋画家，面对大自然，先要选定一个最佳观察点，并固定于此，采用焦点透视，画下他所看到的景物。一般是看到什么画什么，而且完全按照视觉比例，没有看到的绝对不能添加上去。而中国画家，则集合多方面的观察，再加上合乎情理的想像。山脚是一个视点，山腰又是一个视点，山顶还是一个视点，于是就形成了山重水复，山外有山，雄伟博大的境界。如果从几何学的空间原理分析，有许多景物在一个视点上是无法看到的，中国画所表现出来的景色，不是在山脚能看到的，不是在山顶能看到的，也不是在飞机高空中能看到的，而是大自然集中于作者以上中的形象，这种立场，是在时空中徘徊移动，游目周览而得的。其观照的对象，不单是一草一木，一山一水，而是全方位多角度的大自然。这就是中国画的真实，从本质上来说，它更真实，更符合自然的本来面目，它不符合几何学的原理，但它合乎人类思维的情。 如果从几何学的原理来看，中国画的手卷就更不可思议了。一卷并不很长的纸，可绘出万里长江的景色，可表现春夏秋冬的四季变化，时空全被打破了。但在中国人的眼里，它是自然的缩影和提练，画得自然，观赏起来也非常自然，合情合理。 山水画如此，花鸟画和人物画同样如是。西洋画的静物写生，是摄影式，接近于真实的；中国画的花卉则不然，作者可以自由地选取最为动人的一截，根据需要，或墨或色，或寸或晴，或临风弄姿，或傲霜临雪，画家的情溶在花草里，化在笔墨中，画家的笔墨是主宰。 西方人物画注重光与色，强调比例的匀称，神态的逼真。中国人物画则强调传神。一方面注重面部刻画，借眉目以传情；另一方面创造了多种衣纹程式，用以表现不同质地地服饰，衬人物的不同性格，对色相与比例，并不重视。 中国画是写意的，所谓“意”，有两个方面的含义。第一是指绘画时，取绘画对象的大意，注重神似；第二是指画出对象的神、情、气、韵。中国画，即使是工笔画，也是非常注重“意象”的。写意的观点，别于写实和抽象，但又介于写实和抽象之间。它的着眼点始终是气韵。气韵讲究余味，这与诗相通。所以融诗意、诗境于画景之中，形成画境。画境是中国画的一大特色。所谓诗中有画，诗中有诗，诗与画是高度交融在一起的，“诗”是中国画的灵魂。 中国画从技法上讲，可以说是线的艺术、墨的艺术，所以笔墨就形成了中国画的根本技法。这就是“六法论”中所说的“骨法用笔”了。宗白华先生说：“骨法用笔，即系用笔法把捉物的骨气以表现生命的动象。”其实，“骨法用笔”还应包括另一层意思，即笔的骨气，这就自然与中国书法联系在一起了。书画同源，书画同法，以书法为画，这正是中国画的另一大特点。所谓以书法为画，是指画家在用笔时，讲究书法的运笔法则和笔墨趣味。元代大画家赵孟富说：“石如飞白木如箍，写竹还与八法通。若也有人能如此，方知书画本来同。”明代董其昌说：“以草隶奇字之法为之，树如屈铁，山如画沙，绝去甜俗蹊径，乃为士气。”赵孟富具体形象地书画本质的相同；董其昌则进一步阐发了以书画是文人士气的表现。 中国书法，讲究力度，所谓“力能扛鼎”，“绵内藏针”即是指此。中国书法，还注重对自然的追求，如“锥划沙”、“屋漏痕”、“折钗股”，这些朴质的形象，正是书法用笔的最高境界。把这些要求应用于画中，就出现了千变万化描绘万物的各种点、划、勾、皴、描之法。 以上介绍，已经把中国画的两大特点表述出来，第一是中国画始终以对象的“气韵”为描绘重点的意象艺术；第二是中国书画同源、同法、绘画的点划皴描等诸多技法，都不能离开书法的规范。 中国画的第三个特点表现在色彩方面。关于中国画的色彩，谢赫的“六法”中有一条叫“随类傅彩”，其关键在“随类”二字。西洋画的色彩依据光的变化而变化，时间不同，环境不同，所表现出来的色彩也就不同，比如人坐在壁炉前与坐在松林中，因变光照不同，脸上衣服上的色彩也就不同，这是依据光学原理而产生的符合科学的变化。中国画则不然，不论在什么环境下，某类事物本来是什么颜色，它就永远用这种色彩来表现。比如人，肤色是淡赫色的，不论是在太阳光下，或者是在月光下，还是在炉火前，它都用淡赫色来表示，但男人和和女人不同，老人和小孩不同，这就叫“随类傅彩”。可以这样说，中国画在一定程度上捐弃了色相，尤其在水墨画中。与西洋油画相比，中国画的色彩近乎简练概括的符号。之所以如此，是因为这是中国画的目的所决定的。前面说过，中国画的最终目的是表现对象内在的气韵，也就是内在的韵律，生命的律动。所以，中国画舍弃喧丽耀彩的色，强调灵动流畅的线，轻烟淡墨，虚灵如梦，洗尽铅华，神韵毕现。 中国画的色彩是高度概括化的，在水墨画中，概括到黑白二色。作者以墨气表达骨气，以墨彩暗示色彩，因此中国画对墨的运用就特别讲究，所谓“墨分五色”、“墨有六彩”，实际上都是指墨色的变化丰富而言的。同时，中国画又特别重视空白。西洋油画一定要用颜色铺满画布，而中国画则一定要在宣纸上留出“空白”。这个“白”，绝不是什么也没有的空白，绝不是虚无，而是一种高度的暗示，它可以理解为无边的宇宙，也可以理解为流动的云彩，也可以理解为浩瀚的大水。庄子说：“瞻彼阕者，虚室生白”，笪重光说：“虚实相生，无画处皆成妙境。”中国画的空白所暗示出的内容，恐怕是任何色彩都无法表达的，这正是中国画的高妙处。 以上简要介绍了中国画有别于西洋油画的三个特点，虽说是挂一漏万，但却是本质特点。明于此，方可谈中国画，方可欣赏中国画，不然就只能是“盲人摸象”“不识庐山真面目”了。 |
||
| 作者:裴老师 2013/7/23 15:00:09 打印 回复 短信 | ||
| 本主题共有帖子数 4 篇, [<<] [1] [>>] | ||
| 总置顶帖子 | 撤销总置顶 | 置顶帖子 | 撤销置顶 | 精华帖子 | 撤销精华 | 锁定帖子 | 撤销锁定 | 加入收藏夹 | ||
| Powered by www.pantaowang.cn PostBar v3.5 ACCESS 贴吧使用帮助 返回首页 |
| 蟠桃网，努力打造中国最大教育公益网络平台 |